Unboxing edición coleccionista Your Name

¡Por fin he recibido algo que esperaba desde hacía mucho tiempo: el Blu-ray edición coleccionista de la película de "Your Name!

Your Name (Kimi no Na wa) es una película de 2016 dirigida por Makoto Shinkai, autor de otras cintas de animación como "El jardín de las palabras" o "5 centímetros por segundo". Su cine se caracteriza por narrar historias muy pasionales, cargadas de sentimiento, acompañadas de una animación muy colorista en la que la naturaleza (especialmente el cielo) cobra gran protagonismo.

En concreto esta película, nos cuenta la historia de Mitsuha y Taki y cómo por las noches, cambian de cuerpo el uno con el otro y durantes unas horas viven una vida, que no es la suya.

Mitsuha vive en el campo y, en contraposición, Taki vive en la gran ciudad de Tokio. El contraste entre las zonas rurales japonesas y las grandes urbes es una de las peculiaridades de la película, muy marcada, muy bella.

Desde que vi por primera vez este largometraje me quedé realmente prendada de é, tanto del argumento y su desarrollo como del apartado visual, realmente maravilloso. ¡Esos cielos made in Makoto!

Podéis ver mi crítica de la película en este vídeo. 

De momento, os enseño la versión coleccionista del Blu-Ray que ha editado Selecta Visión, que es una pasada. 

Contiene una pulsera exclusiva, un libro de 100 páginas a todo color, la banda sonora, una postal, el disco de la película y otro con contenido extra. 

君の名は。

Pikachu, te elijo a tí

Este año 2017 se han cumplido los 20 años de la franquicia de Pokémon y para celebrarlo por todo lo alto decidieron llevar al cine un reinicio del anime en forma de película: "Pokémon: ¡Te elijo a tí!" realizada por el estudio OML Incorporated y dirigida por Kunihiko Yuyama. 

Es la película número 20 de la saga y la primera en la que aparecen pokémon de Sol y Luna.
Tuve la suerte de poder verla en el cine, porque sólo la han puesto  los días 5 y 6 de noviembre.

Ash Ketchum tiene 10 años y vive en el pequeño Pueblo Paleta. Su mayor deseo es convertirse en el mejor y más grande maestro pokémon y por eso, decide conseguir su propio pokémon para emprender su largo viaje de aprendizaje. El día elegido en el que darán su primer pokémon se queda dormido y cuando llega sólo queda un pikachu un tanto belicoso y rebelde, que no le hace ni caso, vamos. Esto es igual que el primer capítulo del anime, y de hecho muchas de las situaciones se basan en la primera temporada del anime, pero hay ciertas diferencias. 

Una gran diferencia es la ausencia de dos personajes principales: Misty y Brock, que son sustituidos por Verónica y Samuel, dos entrenadores que no pertenecen a Kanto. Y que, en mi opinión, pasan por el metraje sin demasiada pena ni gloria. 

No he visto muchas películas de Pokémon, pero esta es una de las que más he disfrutado. Es una historia íntima, en la que aparece un Ash bastante más maduro y algunas escenas un poco tenebrosas, que no se acostumbran a ver en el anime de la saga (aunque sí en el manga). 

La película refleja la evolución de la relación de Ash con sus pokémon, especialmente con Pikachu: como pasa de ignorarle completamente a quererle como un igual, como un amigo. 

El mensaje de la película es un mensaje que hemos visto decenas de veces en el anime, el manga o los videojuegos: los pokémon son seres vivos con los que hay que crear lazos de afecto para que crezcan y evolucionen. No son meros objetos animados con los que se pueda jugar, tienen sentimientos, sueños e ilusiones. 

Y eso es algo que se intensifica en esta película, con escenas muy (muuuy) emotivas, que a los fans adultos nos devuelve a la niñez y nos empapan los ojos (al menos a mi sí). 

A pesar de todo esto, el argumento flojea un poco, recoge algunos momentos cruciales del anime, que son realmente efectivos en pantalla, pero luego rellena huecos con algunas apariciones del Team Rocket no demasiado acertadas (les tengo cariño y me hizo ilusión verlos pero sus momentos no aportan prácticamente nada). 

Y, especialmente al final de la peli, hay demasiado ñoñerío. Es decir: es emocionante en ocasiones, pero a veces pretende emocionar tan, pero tan en exceso que se transforma en algo muy ñoño. También es verdad, no debemos olvidarlo, que "¡Te elijo a tí!" es una película dirigida a un público infantil (aunque al cine hayamos ido muchos fans de la vieja escuela) y en ese sentido, creo que es una película tierna, con fuerza, que da gran importancia al valor de la amistad y (creo que se puede extrapolar) al cuidado y respeto por los animales. 

Respecto al apartado técnico, la animación está bastante lograda, es mejor que otras películas de Pokémon y, por supuesto, mejor que a serie de animación. Pero tampoco es un "Your Name", para que nos entendamos.

La banda sonora nos trae a la memoria  muy buenos recuerdo, muchos feelings, aunque la letra del opening presenta algunas variaciones respecto a la original y para aquellos que hemos cantado miles de veces esa canción es un poco decepcionante. 

Por todo esto, puedo concluir, que aunque esperaba algo más, un punch que nos diera mayor complejidad y profundidad en la historia, la disfruté mucho igualmente, y sí la recomendaría. Se la recomendaría a todos los jóvenes o niños que quieren introducirse en el mundo pokémon o que ya les gusta y a los nostálgicos, a los fans de toda la vida. Pero eso sí, que fueran sabiendo que es una pelicula infantil y que, quitando algunas escenas más dark, no sorprende en exceso. 

Ah, y en el cine, nos regalaron una carta del Pikachu de Ash y un código para decargárnosle en el próximo juego de Pokémon Ultrasol y Ultraluna. Me hizo un montón de ilusión porque no se me olvida que nos dieron también una carta (de Mewtwo) cuando fuimos a ver la primera película de pokémon al cine (que si no me equivoco es la única que pusieron en el cine en España.

Suena Heart Shaped Box

Título: El traje del muerto
Autor: Joe Hill
Editorial: Punto de lectura
Número de páginas: 496
Año edición: 2008
ISBN: 9788466321198


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Aprovechando que Hill estuvo hace poco por tierras españolas resucito esta reseña que hice (en mi anterior blog "El hechizo del narguile") en el año 2013.

 Jude es un famosísimo cantante de rock que aunque estuvo a la altura de AC/DC o Metallica ahora está retirado. Su excéntrica personalidad le hace coleccionar objetos extraños e insólitos, por ello un día, Danny, su secretario personal le muestra un inquietante anuncio de una página web de compra y venta de artículos muy similar a la famosa Ebay. Alguien quiere vender un traje de un muerto. En la descripción del artículo, el vendedor especifica que el alma del difunto está, de alguna manera, atada al traje y que se aparece en su casa asustando a su hija pequeña. Por eso quiere venderlo.

Jude no se lo piensa un instante y compra el viejo traje del muerto. Así pues, un día recibe una caja con forma de corazón (Heart Shaped Box título original de la obra y canción de Nirvana) con el traje del muerto dentro. Y, efectivamente, a partir de ese día, el viejo Cradhock comienza a atormentar a Jude.

El rockero junto con su novia Marybeth (apodada Georgia, ya que Jude llama a todas sus novias por el Estado donde nacieron) comprobará que el muerto no viene en son de paz... sí, tiene asuntos pendientes, quiere vengarse... vengarse de Jude. El fantasma cree que Jude es el culpable de la muerte de su hijastra Anna, antigua novia del cantante. Jude es un personaje un tanto egocéntrico, un poco frío. No tuvo una infancia especialmente memorable y su padre, al que odia, se está muriendo. Parece que Jude no ha amado realmente a nadie en su vida, simplemente se dejaba aclamar por hordas de fans que le adoraban. Ahora empezará a replantearse ciertos temas.

Joe Hill

Tengo que señalar que odio la idea que tiene Jude ¿(posiblemente la ideal del autor?) sobre las chicas góticas. Durante el relato, si una mujer es pálida, lleva las uñas pintadas de negro y muchos piercings y tatuajes es gótica. Es una visión extremadamente superficial y para mí, errónea y no me ha hecho gracia en absoluto.

Hill, hijo de Stephen King escribe de forma sencilla pero efectiva. La acción va apareciendo poco a poco, a mordiscos, como toda buena historia de miedo debe ser, para ir acercándose a cada vez más a escenas turbadoras e incluso terribles ( rozando el género gore a veces) y a descubrimientos morbosos Es una historia que te incita a seguir leyendo, necesitas saber qué va a pasar a continuación. Qué va a hacer el fantasma esta vez, cuál va a ser el desenlace de los desdichados protagonistas. Porque aunque lo que los persiga sea algo intangible, sea un fantasma... puede hacerles mucho, pero que mucho daño.

Suena...

Una Rowling imprevista

Título: Una vacante imprevista
Autor: J.K. Rowling
Editorial: Salamandra
Número de páginas: 608
Año edición: 2012
ISBN: 9788498384925

Una vacante imprevista es el primer libro de J.K Rowling publicado tras la afamada saga de Harry Potter. Un libro para adultos, decían, de corte realista, y así es. Barry Fairbrother, marido y padre de cuatro hijos fallece repentinamente debido a un aunerisma cerebral, dejando, como dice el título de la novela: una vacante imprevista en el concejo parroquial. ¿De dónde? De Pagford, un pequeño pueblo inglés creado desde la misma sesera de Rowling. Esta muerte será el desencadenante de una lucha febril y paranoica entre varios habitantes del pueblo por conseguir el puesto en el concejo. La elección del nuevo concejal es crucial, pues depende de ella el futuro de una de las zonas periféricas, con más índice de delincuencia y pobreza, conocida por el nombre de "los Prados".

 Y en Pagford hay dos bandos diferenciados, los pro-Prados y los anti-Prados, todo dependiendo de su ética moral, su relación con en el pueblo y su poca o mucha solidaridad y empatía con el prójimo. Sea como fuere, cada uno tiene unas ideas claras de lo que quiere y lo que no para su querido o no tan querido pueblo. 

Rowling vuelve a demostrar su increíble manejo de los personajes, de sus caracteres, tengan la edad que tengan, desde una adolescente de los Prados que es hija de una prostituta heroinómana, pasando por una doctora pakistaní, una trabajadora social que viene de Londres, un jóven que odia a su padre por su temperamento violento, y hasta el típico hombre castizo, amante de sus profundas raíces en el pueblo.

La autora cambia drásticamente su registro en la narración de esta historia con respeto a la saga del mago. Utiliza un lenguaje más duro, más directo, fuerte y contundente, a la altura de las miserias, la rabia y la desesperación de los personajes. Y es que la novela es un continúo viaje hacia lo sórdido y lo ruin, con pocas salvedades. 

Rowling es una maestra en la indagación de las perspectivas de personajes, al final sabemos cómo son cada uno de ellos, conocemos sus miedos, sus ambiciones, sus esperanzas. Como ya se proclamó a los cuatro vientes desde el principio, es una novela "para adultos", y a decir verdad, el libro cuenta con numerosas escenas muy duras y descriptivas relacionadas con las drogas, la violencia y el sexo.

El realismo de la novela se mastica a cada párrafo, a cada conversación, en cada familia. Tengo que reconocer que me ha encantado poder comprobar como la habilidad de Rowling se mueve bien en otros ámbitos, que sabe hacerlo, que no se deja amilanar por remilgos y por los "qué dirán" y que lo escribió porque quiso... porque puede permitírselo dicho sea de paso. 

No es una historia realmente memorable, pero esa maestría en la escritura y todos esos personajes con dudas y problemas te empuja poco a poco a desear adentrarte cada vez más por las calles empedradas de Pagford.


*Es una "reseña del narguile", es decir, una reseña que hice en mi antiguo blog "El hechizo del narguile" que recupero en este antes de cerrar el otro definitivamente. Esta la publiqué el 20 de enero de 2013. 

Miedo y daño en Vallecas

Miedo da un poquito pero asco no mucho.

Armarios que se abren violentamente y sin explicación, crucifijos que se mueven, marcas de garras en la pared... estas son algunas de los fenómenos extraños que se registraron en la casa de la familia de Estefanía Guitérrez Lázaro, una chica que falleció en extrañas circunstancia en Madrid, en noviembre de 1992.

Esta caso paranormal inspira Verónica, la nueva película de Paco Plaza, director de largometrajes como Rec, Rec2 o Requisitos para ser una persona normal.
En la versión cinematográfica nos encontramos a Verónica (Sandra Escacena), la mayor de cuatro hermanos que se ocupa de ellos como si fuera su madre ya que su madre real se pasa horas y horas en el bar que regenta y su padre falleció hace un tiempo.
Un día, junto a dos compañeras del colegio, decide jugar a ouija para intentar contactar con el espíritu de su padre pero algo oscuro ocurre. Algo responde a la llamada pero no es su padre.
A partir de este momento los sucesos paranormales empezarán a sucederse en su domicilio: armarios que se abren sin explicación aparente, objetos que se caen, electrodomésticos que se encienden solos... y sombras, unas sombras demoníacas que parece que quieren hacerla daño a ella y su familia.

Aquellos que vivimos los 90 podemos sentir mucha nostalgia con esta película: paredes de gotelé, figuritas de porcelana, carpetas forradas con recortes de revistas, muebles señoriales de la época,... el ambiente costumbrista nos ayuda a adentrarnos en la historia que bien podría habernos ocurrido a nosotros. Porque es una historia de terror, sí, pero también es la historia de una familia y de una época. Una familia numerosa que vive en un barrio obrero y sobrevive con un mucho esfuerzo gracias a una madre (Ana Torrent) que se desloma trabajando en el bar día y noche, sin apenas ver a sus hijos, obligándolos a crecer y madurar más rápido de lo habitual.

Pero como ya digo, también es una historia de terror y Paco Plaza crea algunas escenas muy intensas e inquietantes, aunque a veces se echa de menos un poco más de sutileza, eso de "ver menos" para asustar más. Soy de las que opina que lo que no se ve da más miedo que aquello que vemos.

Yo iba con las expectativas muy altas respecto a este punto. Muchas personas en twitter afirmaban que era una película terrorífica y no lo es tanto. Al menos no para mí. Lo confieso: di un grito (una vez) y sentí mucha tensión en algunos momentos pero desde luego no es de las películas que más miedo me han transmitido. Es una película muy bien hecha, con una fotografía y diseño de producción espectaculares, con una buena trama y una efectiva banda sonora (cuyo score me recordó a Tesis y a la serie de Stranger Things y las canciones de Héroes del Silencio me ganaron, como gran fan que soy) pero NO es de las más aterradoras que he visto.

No puedo terminar esta crítica sin señalar las actuaciones de Sandra Escacena y sus hermanos, tan sorprendentemente buenas. Bruña González (Lucía), Claudia Placer (Irene) y Iván Chavero (Antoñito) actúan de maravilla, son tiernos y graciosos y se encargan de rebajar la tensión del film, de darle un toque más humano y realista.

En definitiva, es una buena película, con escenas realmente efectivas y sugestivas, con un argumento interesante pero a la que el falta un  punch de terror y originalidad para los que estamos más acostumbrados a este tipo de películas.

¡Qué feliz yo en la película cantando las canciones de Héroes, un puntazo! <3

Y mientras, vámonos de esta habitación 

al espacio exterior 

se nublan los ojos

 todo de un mismo color 

mientras todo da igual... 

Nueve, 

ocho, 

siete, 

seis, 

cinco, 

cuatro,

tres, 

dos, 

uno...

Netflix destruye Death Note

La historia original de Death Note comenzó a publicarse en formato manga en diciembre de 2003 de la mano del guionista Tsugumi Ōba e ilustrada por Takeshi Obata. Light, Yagami un joven y brillante estudiante de 17 años vive una vida monótona y sin sobresaltos hasta que un día encuentra una Death Note, es decir, un cuaderno de muerte perteneciente a un shinigami (un dios de la muerte). Todas las personas cuyos nombres sean escritos en este cuaderno morirán.

Esta libreta contiene ciertas limitaciones y reglas que se irán desvelando poco a poco durante la obra. Light, que cree firmemente que el mundo está podrido y corrupto, comienza a usar este cuaderno y así nace Kira. Entonces hace su aparición L, un investigador anónimo, verdaderamente inteligente y peculiar, comienza a seguir sus pasos.

El manga ha vendido más de 30 millones de copias alrededor de todo el mundo.

En el año 2006 se puso en marcha un anime de 37 episodios que no hizo más que aumentar el éxito de la batalla entre Light y L.  Ese mismo año se estrenaron también dos películas live action Death Note y Death Note: the last name, adaptaciones del manga. La celebridad de la franquicia siguió con más películas, videojuegos, novelas, artbooks, un dorama... además de merchandising, claro.

Y entonces llegó Netflix, la plataforma de vídeo de moda, y decidió rodar una nueva película basada en la batalla entre Light y L con Adam Wingard como director ofreciéndonos un catastrófico resultado.

En primer lugar hay que dejar claro que no esta cinta NO ES una fiel adaptación, sino que es una película basada (muy ligeramente) en la obra de Ōba y Obata. Es casi imposible realizar una adaptación fiel en sólo 1 hora y 40 minutos por lo que decidieron crear otra cosa. Otra cosa que pierde todo el espíritu de la obra original.

Nat Wolff interpreta a Light Turner (cambia el apellido en esta versión al volverse estadounidense) es completamente diferente a Light Yagami. El protagonista japonés es un chico muy inteligente y calculador, orgulloso, frío y bastante carismático. En cambio este nuevo Light Turner es asustadizo, impulsivo y nada (pero nada) carismático.

El nuevo L (Keith Stanfield) se acerca un poquito más al L original del manga y el anime, pero poco a poco se va desvirtuando. No pude ver de verdad a L.

El poderoso interés y éxito del Death Note original se sostiene sobre la batalla dialéctica entre Kira y L. Creo que cualquier fan de la obra original estará de acuerdo conmigo en este punto. Y en esta película se la han cargado, y a sangre fría. Todo se desarrolla con extrema rapidez entre noticias de televisión en plan resumen de los asesinatos y persecuciones, en coche o a pie. La elegancia y sutileza de la primera creación se pierde para dejar paso a la acción más americana y torpe que te puedas echar a la cara. El desarrollo de la trama se vuelve confuso incluso para los que son seguidores veteranos. El verdadero mensaje queda diluido, es imposible empatizar con ninguno de los protagonistas y dudo mucho (si no se conoce la verdadera historia) que los espectadores lleguen a entender las  motivaciones reales de los protagonistas.

Si seguimos con el análisis de personajes nos encontramos a Mia (Misa en el original) interpretada por Margaret Qualley, que no tiene nada que ver con la chica risueña y gothic-lolita tan servicial y devota de Kira. Mia es una chica de la que apenas sabemos nada, es un personaje muy desdibujado que parece que sólo existe en la cinta como excusa para poder darle algún giro a la trama (y besuquear a Light), pero sin ningún tipo de interés adicional. Y la actuación de Qualley, al igual que pasa con Wolff, no ayuda nada.

Sobre Ryuk, el shinigami, sólo puedo decir dos cosas, dos buenas y una muy mala. Las buenas son su realización y su voz, y es que Willem Dafoe es mucho Willem Dafoe. La muy mala tiene que ver con su desaprovechamiento. Ryuk parece un pegote que se manifiesta de vez en cuando en alguna escena del metraje para dar un toque inquietante pero al final insignificamente respecto la trama. En serio, desaprovechadísimo.

Muchas de las series que he visto en Netflix me han enamorado, como por ejemplo Orange is the New Black y Stranger Things, en cambio sus películas originales no me han parecido tan buenas en general, aunque sí curiosas o con ciertos aspectos muy interesantes como To the bone o Okja, pero esta película es un despropósito completo. Obviando a Dafoe, que ya lo he mencionado, encuentro muy poco positivo, algunas escenas sueltas, la fotografía y la banda sonora. 

Os recomiendo encarecidamente que os leáis el manga, y si os apetece o preferís lo audiovisual que veáis el anime. 

Las dos primeras películas japonesas no logran estar a la altura del manga pero desde luego guardan la esencia del clásico y las prefiero (mil millones de veces más) a esta desgracia-americanada que ha creado Netflix. 

Es poderosa, es valiente, es mujer

Antes de empezar esta crítica tengo que hacer una confesión: soy bastante reticente al cine de superhéroes porque muchas de las cintas que he podido ver me han aburrido bastante o no me han gustado ni un pelo pero sentía mucha (demasiada) curiosidad con Wonder Woman. Creo que la razón principal de este hype semioculto se debió a dos razones. La primera es el poderoso marketing (por todas partes y a todas hora recibía bombardeos de esta película) y la segunda y más importante es que la heroína y protagonista y la directora, fueran mujeres.
No tenía intención de verla en el cine pero sabiendo que las posibilidades de disfrute aumentaban viéndola en pantalla grande acepté y fui.

En este largometraje dirigido por Patty Jenkis, se nos presenta el origen de la guerrera Diana (Gal Gadot) que vive en la isla de Themyscira, habitada únicamente por mujeres amazonas, luchadoras y valientes que pasan sus días entrenando alejadas del horror que está experimentando la humanidad bajo el escenario de la Primera Guerra Mundial. 

Pero un día todo cambia cuando un piloto estadounidense llamado Steve Trevor (Chris Pine) llega a las orillas de su hogar perseguido por los alemanes. Diana, decidida, querrá acudir al mundo de los humanos para salvarlos del mal, que ella cree que se encuentra desatado por culpa de Ares, el dios de la guerra. Es un argumento sencillo pero efectivo.

Wonder Woman posee un puñado de cosas buenas y de cosas malas. Es muy interesante que la protagonista, a pesar de su belleza y su traje tan eróticofestivo, intente transmitir otros valores y otra concepción de la mujer: la mujer no es inferior al hombre y puede hacer lo mismo que el, igual de bien o incluso mejor. Diana no comprende por qué las mujeres no pelean en la batalla, para ella ser mujer no significa ser débil. No le importa lo que opinen de ella, se sabe fuerte y valiente y es más que suficiente. 

La parte negativa respecto a este ámbito es que la historia acaba yéndose por los clásicos derroteros de amor hetero (a pesar de que la protagonista afirma saber de los placeres entre mujeres) tan poco creíble. Demasiado rápido, demasiado insulso. 

No es la supermegapelículafeminista del año, pero el hecho de que las niñas y los os niños vean a una heroína poderosa en la gran pantalla, siempre tan plagada de testosterona, es realmente positivo. Me parece magnífico que las niñas puedan identificarse con una heroína como ella, una mujer empoderada con gran sentido de la justicia. Aunque, como ya he mencionado, quizás se me empañe un poco con el hecho de que Diana tenga uno (o muchos) hombres ahí, debajo de su sombra. Pero es un buen paso hacia delante. 

Es una película de superhéroes y tiene que tener por obligación numerosas escenas de acción, muchas de ellas son verdaderamente épicas y muy bien realizadas. Aunque como suele pasar en este tipo de cintas, "la gran batalla final" se hace excesivamente larga. Aún así, todo el apartado visual es excelente (aunque en ocasiones excesivo), y las escenas en las que explican el origen mitológico de las amazonas y su vida en la isla es fascinante. 

Gal Gadot hace un buen papel pero como es costumbre en Hollywood, han vuelto a caer en los clichés y han elegido a una actriz con un físico normativo, a pesar de que el personaje de cómic sea más musculado, punto negativo. Al igual que el poco desarrollo de los personajes antagonistas, especialmente el de Elena Anaya que interpretaba a la Doctora Veneno.  

En definitiva, no es un peliculón, no se merecería ganar el Oscar a mejor película ni de broma (como algunos quieren intentar), pero es entretenida (menos el larguísimo final), visualmente efectiva, con algunos toques de humor simpáticos y con una protagonista empoderada que puede hacer mucho bien dentro de las generaciones más jóvenes. 

¿Vives tu vida o te la inventas?

Título: Las vidas que inventamos
Autor: Fernando J. López
Editorial: Espasa
Número de páginas: 286
Año edición: 2013
ISBN:9788467008852 

Hoy traigo la reseña de Las vidas que inventamos de Fernando J. López, que escribió La edad de la ira, novela que me gustó demasiado.

Gaby trabaja en una discográfica, Leo en una sucursal bancaria. Gaby necesita desaforadamente sexo salvaje fuera del matrimonio, Leo ocultar un terrible suceso. Gaby sospecha de Leo, Leo sospecha de Gaby. Gaby y Leo son un matrimonio infeliz, cimentado en la mentira. Llevan veinte años casados y tienen un hijo adolescente, con el que apenas tienen relación alguna. Su matrimonio es una pantomima que se ido asentando a base de mentiras por parte de ambos cónyuges. Leo se ha elaborado una imagen de si mismo que no se corresponde con la realidad, una imagen sin la que puede vivir y que sustenta todas sus relaciones sociales, ya sea en casa, en el trabajo con amigos o conocidos. Se ha apoyado tanto en ella que hasta él mismo se la ha estado creyendo. Pero ahora, y tras un horrible e imprevisto accidente, tendrá que hacer acopio de todas sus habilidades de hombre traicionero y falaz para cubrirse las espaldas. Por otro lado, Gaby, mujer frustrada con la vida, siente que su aliento vital está consumiéndose sin pena ni gloria y su fuero interior le pide un cambio: explotar de emoción, experimentar, en definitiva: volver a vivir. Es así como comienza a juguetear con los chats y las salas de sexo en Internet. Lo prohibido, lo desconocido, el morbo y la emoción comienzan a formar una parte inseparable de su día a día.

Fernando J. López (foto de El País)

J. López intercala capítulos, más bien cortos, de la visión de uno y del otro, en la que nos muestra en primera persona todos sus pensamientos, sus encrucijadas, sus miedos y sus pasiones. Utiliza un lenguaje natural y cercano, tan lleno de diálogos que podría valer para ser representada en el teatro (no podemos obviar que el autor también ha escrito teatro).
Es una historia, como se suele decir a veces, de rabiosa actualidad: la crisis dentro del matrimonio, la adolescencia insoportable y alejada de los padres, la infidelidad como vía de escape, Internet como una herramienta al servicio de la imaginación y la fantasías, los problemas en el trabajo, ... Y sobre todo la obsesión por vivir una vida que no es la tuya, por levantarte cada día en los labios de otra persona, por vivir con secretos y con miedo. ¿Dónde ha quedado la confianza en estos tiempos? ¿Dónde la sinceridad? ¿Por qué?
Otra vez, el autor  nos invita a reflexionar, sobre nuestro alrededor, sobre esa crisis de valores que parece que asola nuestra sociedad.

A continuación os dejo con un fragmento sacado de la boca de Gaby que suscribo totalmente:

No es que tenga una lista de requisitos muy elevados, pero sí hay unos mínimos. Higiene. Cero faltas de ortografía. Y un cierto conocimiento de cine, literatura y música. Nunca me ha puesto la gente que no cumple esas exigencias. Y seguro que me he perdido más de un orgasmo legendario por ser tan exquisita, pero es que no hay nada que me baje tanto la libido como la zafiedad, y la gente que no sabe disfrutar de una buena película, de una buena novela o de un buen concierto suele ser gente zafia.

Vivid la vida que queráis, pero que no sea una mentira.


*Es una "reseña del narguile", es decir, una reseña que hice en mi antiguo blog "El hechizo del narguile" que recupero en este antes de cerrar el otro definitivamente. Esta la publiqué el 25 de febrero de 2013.

La anorexia mata

En esta nueva película de Netflix, Lily Collins (Mirror, Mirror, Cazadores de sombras) interpreta a una Ellen, una veinteañera que padece anorexia y que ha pasado por varias clínicas sin avances para su curación. Pero un día y gracias a su madrastra, consigue cita con el reputado doctor Beckham (Keanu Reeves), que la aceptará en su programa en el tendrá que vivir en una casa con otros pacientes con trastornos alimenticios.

To the bone (hasta el hueso) trata el tema de los trastornos alimenticios que actualmente afectan a más de 70 millones de personas en todo el mundo (90% son mujeres). 

Cuando comienza la película Ellen ya está enferma. Es una chica excesivamente delgada, a la que se le marcan los huesos de las costillas, que está obsesionada con las calorías de los alimentos y cuya familia se encuentra un tanto ausente. Ellen no encuentra el sentido de la vida y no es consciente del daño que le está produciendo la anorexia.

A medida que avanza la cinta, y poco a poco, vamos descubriendo detalles de la vida pasada de Ellen que nos ayudan a comprender, aunque sea un poquito, su sufrimiento interior. Y también el de sus familiares, que han seguido de cerca el camino de Ellen hacia su autodestrucción con gran pesar e incomprensión. 

A pesar de la polémica que se está desatando en torno a esta película (como pasó con 13 Reasons Why) la directora de la cinta, Marti Noxom, que también sufrió estos trastornos, ha afirmado haber grabado esta película de manera responsable y veraz, con la intención de que se hable más sobre esta enfermedad, que a veces pasa desapercibida pero que mata a millones de personas el en mundo cada año. 

Si bien es cierto que es importante que se trate este tema, quizás cae en el tópico (que aunque es real no deja de ser un tópico) de que las personas con anorexia son extremadamente delgadas. Es decir, claro que las hay, pero no todas llegan a un peso tan bajo. La anorexia se puede leer en el físico, sí, pero es una enfermedad mental y tal vez deberían haber concedido más relevancia a este punto (punto en el que también falló 13 reasons, a mi parecer). 

Esta película muestra una dura realidad, sin llegar a lo macabro pero sin tapujos, incluso a veces con cierta ironía. Me habría gustado que profundizara más, cuando acaba todavía siento por dentro las ganas de ver más, de saber más. De todos modos creo que cumple su objetivo primero, que es poner sobre la mesa una enfermedad horrible de la que apenas se habla en el cine. 

En las actuaciones destaco a Lily Collins y a Alex Sharp (Luke), que interpreta a un bailarín de ballet que comenzó a bajar de peso después de su lesión de rodilla y que vive en la misma casa que Ellen. Como contraparte negativa quizás sea Keanu Reeves, en su papel de doctor, el que menos consigue transmitir (ya sabemos que no es un actor al que se le reconozca precisamente por ser muy expresivo).

En definitiva, no es una película brillante ni perfecta, pero sí necesaria. Necesitamos nuevas voces que se atrevan a plasmar este tipo de enfermedades en la gran pantalla para que dejen de ser temas tabú y se abra un camino de entendimiento y aprendizaje. Los trastornos alimenticios existen y cuanto más sepamos sobre ellos más podremos prevenir y curar.

Aprovecho para recomendar un libro titulado Niños perdidos, libro autobiográfico de la periodista María Casas que trata sobre su lucha contra la anorexia y la bulimia durante 15 años de su vida. 

Hoy en día se dedica a dar charlas y conferencias sobre esta enfermedad para ayudar a otras personas a superarla.
Conozco a María desde muy pequeña y comprendí muchas cosas sobre ella y su familia después de leer su novela, es desgarradora, esperanzadora, necesaria. 

Espero pronto podremos traer una reseña de este libro (y una entrevista con la autora).

Metáfora sobre la soledad con olor a pedo

"Esta película es muy rara". 

Esa frase es la que no se despegaba de mis pensamientos y de mis labios a medida que transcurrían los minutos de Swiss Army Man, largometraje de Dan Kwan y Daniel Scheinert. 

Os pongo en contexto. 

Hank (un barbudo Paul Lano) se encuentra perdido en una mini-isla desierta del Pacífico (que me recordó al montículo de Maui de Vaiana) y se encuentra tan increíblemente solo y desesperado que intenta suicidarse colgándose en un pedrusco. Pero cambia de idea cuando cadaver-expulsador-de-flatulencias aparece en la playa arrastrado por las olas. Este muerto-viviente se llama Manny y está perturbadoramente interpretado por Daniel Radcliffe. 

Aunque suene paradójico, la llegada de este extraño ser se convierte en el milagro personal de Hank, que gracias a la ayuda de esa hombre-multiusos (porque lo utiliza para todo, de lancha, de botella de agua, de cuchilla de afeitar...) consigue salir de la isla y emprende el regreso de vuelta a casa. 

De verdad que esta película es muy rara, nunca había visto algo así. Un argumento de cine de serie B entremezclado con una metáfora sobre la soledad, la amistad y ¿el amor? Hank y Manny reflexionan juntos durante su viaje sobre cosas cotidianas como tirarse pedos o de temas más trascendentales como nuestro lugar en el mundo y sobre ser tú mismo. En ciertos momentos es inevitable acordarse de la insólita relación entre Chuck (Tom Hanks) y la pelota Wilson de la película Naúfrago (2000) pero el vínculo entre Hank y Manny va más allá, uno pregunta y reflexiona y el otro está ahí para responderle, hacerle pensar más aún o soltar un gemino animal. 

No es una película para todos los públicos, de hecho, según informa 20 minutos, gran parte de los espectadores abandonoran la sala durante su proyección en el festival de cine independiente de Sundance, en Utah (EE.UU). Es divertida, desagradable a veces, extraña y dulce. Sí, de verdad que tiene algunas escenas y diálogos muy bonitos y tiernos. Y tanto Lano como Radcliffe hacen un papelón. A Daniel Radcliffe se le da bien conseguir hacernos reír.
Si bien es cierto que no es una película de Oscar, estamos ante un film que bien podría convertirse en una nueva cinta de culto. 

Belleza oriental y perversión en el sótano

Hoy os traigo la crítica de una película que deseaba ver desde hace un tiempo y por fin pude verla ayer por la tarde, se trata de La doncella. 

Película dirigida por el surcoreano Park Chan-Wook, director de Old Boy, en el 2016. Ganadora de varios premios como a mejor largometraje en el Festival de Cannes o el Premio del Público en el Festival de Sitges. La doncella (o The Handmaiden) cuenta la historia de Sook-he (Kim Tae Ri) una una falsa criada, y de Fukiwara (Ha Jung Woo) un falso conde japonés que se alían para engañar a la señorita Hideko (Kim Min hee), una mujer rica japonesa que vive en la Corea del Sur de los años 30.

La señorita Hideko vive atrapada con su tío, un amante de los libros (especialmente de los pervertidos) que pretende casarse con ella para apoderarse de su inmensa fortuna.

La película dura 2 horas y 20 minutos y está dividida en tres partes, la primera centrada en la doncella, la segunda desde el punto de vista de Hideko y la tercera con el desenlace. En un primer momento se podría pensar que es demasiado larga, pero los giros argumentales consiguen que cada vez prestemos más atención a la cinta y pronto podamos empezar a elucubrar teorías acerca de lo que viene después.
Aunque no aburre en ningún momento, hasta que no llegamos al primer y gran giro argumental de la película (lo sabréis, creedme) no sentimos esa emoción irrefrenable de seguir viéndola, de seguir hasta el final.

También hay que tener en cuenta que yo me acerqué a este película sin saber poco más que su título, por lo que las sorpresas vinieron a mi, despacito y con sutileza. Hay muchas películas que se disfrutan más así, sin apenas conocer nada acerca de ellas. Y quizás por ello esta crítica se quede un poco desconchada, porque aunque hay mucho de lo que hablar, no quiero desvelar las sorpresas y aguaros la fiesta.

Aunque sí que puedo señalar algunos detalles.
Las actuaciones son buenas, especialmente destaco el papel de los dos protagonistas femeninas, Tae-ri y Min Hee, que son el alma y el cuerpo de la película.
A pesar de la belleza y sensualidad de las imágenes de La doncella, algo sórdido y macabro se esconde debajo. Los temas principales que aparecen son la cosificación de la mujer, el suicidio, la homosexualidad, la perversión sexual y los primeros pinitos del hentai moderno (xD)
Este film nos regala tantos asuntos interesantes que darían para un muy extenso y perturbador ensayo.

La ambientación y el vestuario son una preciosidad, cuidados al detalle. Especialmente es interesante mencionar tres cosas. La primera es la casa donde se desarrolla casi toda la trama. Una casa que mezcla el estilo arquitectónico inglés con el japonés, creando una suerte de casa realmente singular. La segunda se refiere al vestuario, sobre todo los kimonos y vestidos de la señorita Hideko (estoy enamorada de llos ¿vale?) tan elegantes, tan de cuento de princesas. Y la tercera y última tiene que ver con el maquillaje, exquisito. 

En definitiva, creo que es una película que merece la pena tanto como para verla, como para observarla o incluso para analizarla.

Es tan bella que os juro que hasta colgaría imágenes de la película en mi habitación. 

Si queréis adentraros un poco más en este metraje de Chan-Wook podéis echarle un ojo al trailer: 

Es la edad de la ira

Título: La edad de la ira
Autor: Fernando J. López
Editorial: Espasa
Número de páginas: 320
Año edición: 2011
ISBN:9788467033687 

Hace ya cinco años que leí esta novela y que la reseñé en mi antiguo blog "El hechizo del narguile". Traigo de nuevo esta reseña por dos razones. La primera es porque poco a poco me gustaría recuperar los mejores escritos de aquel portal para darle un cierre digno por fin (creo que llamaré a esta sección "reseñas del narguile". Y la segunda se debe a que La joven compañía ha estado representando una adaptación de esta obra en Madrid durante el año 2017 (me habría encantado poder asistir, espero poder hacerlo en otra ciudad).

Os adelanto que este libro me encantó, ya en enero de 2012 le di un sobresaliente.

Lo prometido es deuda y un día después traigo con mucha fuerza uno de los mejores libros que leí el pasado año. Espero que me perdone el autor por prometerle una reseña y tardar tanto tiempo en hacerla realidad. Estoy hablando de una novela que trata los temas de hoy en día, de frente, sin tapujos, sin fantasía ni ciencia ficción, de la noche y la mañana en un colegio asolado por una desgracia. Me refiero a "La edad de la ira" de Fernando J. López.

La historia narra la investigación exhaustiva de un periodista sobre el asesinato de dos personas. El padre y el hermano de Marcos, un alumno popular, aparentemente nada violento, que estudia en el Instituto Rubén Darío. Santiago, que así se llama el reportero, pretende sacar a la luz los porqués y las causas que llevaron, presuntamente al joven Marcos, a asesinar a dos miembros de su familia. Su ambición es desenmascarar esas razones ocultas, que la mayoría ignora y que la policía no se molesta demasiado en averiguar. Imagen de la representación teatral. La situación se presenta confusa para Santiago, especialmente porque el acusado se niega a hablar, autoculpándose. Pero Santiago insiste y hace todo lo posible por entrevistar a todos los que rodeaban a Marcos, a profesores, alumnos, familiares y amigos.

Un personaje lleva a otro a cuestas en la representación de la obra. 

La narración intercala los pensamientos y divagaciones personales del periodista y los escritos y grabaciones de los interrogados. De esta manera descubrimos información muy valiosa, desde los secretos más ocultos y sórdidos del claustro de profesores hasta las reacciones e ideas de los alumnos tanto en su vida diaria como ante un hecho tan atroz como es el asesinato. El instituto se ha convertido (¿acaso no lo ha sido siempre?) en un microcosmos, en una selva salvaje con sus propias leyes. Fernando J.López pone sobre la mesa temas que llevan muchos años dando guerra en las escuelas, aunque en la actualidad, muchos de ellos se han convertido en algo muy grave (¿o es que es ahora cuándo se están dando la importancia que merecen?) como son el acoso escolar, la violencia de género, el abuso sexual y el fracaso escolar.

Me parece fascinante el desarrollo que hace de ideas tan vanguardistas como la "generación tuenti" y de cómo las redes sociales afectan a los jóvenes y pueden llegar a ser cruciales en investigaciones. La edad de la ira en el teatro.

Otro tema muy interesante es la crítica a los medios de comunicación. Especialmente porque yo soy periodista (o al menos, eso pone en mi curriculum) y a veces me avergüenza ver las noticias y ver lo que veo, no me reconozco ante las actitudes y opiniones de tantos de ellos... En esta caso trata la manipulación de los medios respecto a la información del homicidio. De cómo con su gran poder consiguen transmitir y engendrar ideas falsas, al público. Juicios de valor que se toman como testimonios verídicos, hasta el punto de culpar a Marcos sin miramientos.

No puedo dejar de comentar otro aspecto que no deja de repetirse durante el relato y que yo, como estudiante que he sido (que aún sigo siendo, creo) he podido comprobar por mi misma. Me refiero a la falta de vocación en el profesorado. Profesores que no han tenido más remedio que optar por la enseñanza, aunque no les guste un pelo. O profesores que han sentido la llama de la docencia pero que, ante el fracaso escolar, los abusos hacia profesores o el manifiesto poco interés de los alumnos, la han ido perdiendo hasta que sólo han quedado cenizas. Muy triste. Y, enlazado con lo anterior, el autor reconoce el penoso sistema educativo. Un sistema que aborrega, que sólo enseña nombres, más nombres y cifras sin ningún sentido. En concreto se recoge en la novela, el caso de la asignatura de literatura. ¿De qué sirve saber de memorieta la obra, vida y milagros de funalito de tal si no lees ni siquiera un poema o una novela suya? De qué sirve poner como lectura obligatoria a niños de 16 años, "La celestina" o "Las coplas a la muerte de su padre". Sólo para que los alumnos crezcan con el odio a la lectura arraigado en sus entrañas. Sólo para eso, casi me atrevería a decir. Y me parece totalmente normal que ocurra tamaña desgracia.

Y me ha parecido fascinante, embriagador, de hecho, poder leer esta idea en una novela escrita por un profesor, sí, un profesor, de nada más y nada menos que de literatura. Olé. Y no digo que los clásicos sean un tostón increíble, pero hay que adaptar los tiempos a los tiempos. No se escribe ahora como hace cien años, ni tenemos los mismos valores, ni comportamientos, ni contextos. Y sobre todo, hay que adaptarse a las edades. Un niño de 16 años de hoy en día, no siempre estará capacitado o no será lo suficientemente maduro como para entender la complejidad y talento de ciertos escritos. Habría que empezar por novelas como esta misma que estoy comentando para encender esa chispa adecuada que tantos jóvenes necesitan encender para comenzar a amar la lectura.

Actores semidesnudos leen un libro sobre el escenario.

Esta es una novela que muy especialmente trata de ELLOS, de esas generaciones que vienen, que ya están aquí; de sus problemas, dudas y luchas. Trata la homosexualidad, el racismo en las aulas, la represión en el hogar, de los celos entre amigos, el alcohol, de los amores no correspondidos... De ellos, en definitiva. No de unos cortesanos, plebeyos o caballeros andantes que, aunque tengan algo que ver con ellos, porque al fin y al cabo todos somos humanos, no conectan con ellos. CONECTAR es la palabra. (O una de ellas) Y el autor lo consigue. Vaya que si lo consigue. Actores de La edad de la ira.

Sólo tengo que recordar a los muchos alumnos que fueron a la presentación que hizo hace meses en Madrid (2011). Los oía comentar entusiasmados por qué página se iban y se notaba que admiraban a su profesor. Y a toda esta parrafada altamente positiva hay que sumarle la prosa del autor: es directa y sencilla, pero muy cuidada. Demuestra gran conocimiento de los lenguajes usados tanto de treintañeros como de los quinceañeros.

Consigue transmitir, de este modo, unos personajes diferenciados y muy bien caracterizados. Es una novela de esas que debería leer tanta gente... Tantos profesores que se verían reflejados en algunos de los personajes e incluso se echarían unas risas culpables. Todos esos alumnos de instituto que aborrecen la lectura o que necesitan encontrar algo de compresión en su vidas... encontrarán aquí un resquicio de esperanza. Sí, chicos, hay gente que intenta ayudaros, aunque no lo creáis. Al fin y al cabo sois/somos el futuro ¿no?

Para terminar, porque alargarme más es demasié diré que es una novela apta para cualquier persona porque de una forma u otra o todos hemos sido estudiantes o tenemos algún tipo de relación con los colegios, institutos y universidades.

Mi enhorabuena al autor, que sin ninguna duda es un gran profesor, con inquietudes reales y comprometidas con sus alumnos. Me alegra muchísimo haber podido tener la oportunidad de leerla. Gracias por haber escrito "La edad de la ira". :)

Okja, super-cerdos contra la industria cárnica

No había escuchado hablar de ella hasta que mi hermana pequeña me la recomendó el otro día por WhatsApp. Como generalmente tenemos gustos similares y estoy suscrita a Netflix no dudé en verla al día siguiente por la tarde, sin apenas saber nada de ella, sólo que "había personas que habían dejado de comer carne por después de verla", según me había señalado mi hermana.

En 2007 la compañía Mirando concibe una nueva especie de super-cerdos menos contaminante y con mucha más cantidad de carne que ofrecer al consumidor y crea una suerte de concurso en el que 26 ejemplares son enviados a diferentes partes del mundo, para que sean criados en libertad, en el mejor ambiente posible, para 10 años después elegir al mejor super-cerdo.

Uno de estos ejemplares acaba en las montañas de Corea del Sur. Mija y su abuelo son los encargados de cuidar de Okja, pero para la niña, es más que un trozo de carne y más que una mascota, es una compañera, una amiga.

Y es que este supercerdo es muy inteligente y la relación que establece con Mija es verdaderamente supertierna (por seguir con el "super").

Por supuesto Okja es la elegida para volar a Estados Unidos y dar el pistoletazo de salida a la producción de este nuevo producto pero Mitja no lo dudará un momento e irá en su busca, para salvarla.

Mija (Ahn Seo-hyun) sólo quiere recuperar a un miembro de su familia y durante su camino se topará con un grupo de activistas animalistas y con algunos personajes caricaturescos y carentes de escrúpulos como la jefa de la compañía (Tilda Swinton) o la celebridad de la televisión (Jake Gyllenhaal).
Es una película divertida, entrañable pero llena de tristeza y dolor.  El director surcoreano Bong Joon-ho nos regala una aventura emocionante, épica en ocasiones que contrasta deliberadamente algunas escenas realmente duras, incluso macabras dentro de la cadena de producción de las empresas cárnicas.

Creo que con esta película se pone sobre la mesa un tema que, aunque existe desde hace tiempo, cuando aparece se suele mirar para otro lado o no se le da la verdadera importancia que tiene, y es el maltrato que sufren los animales que nos vamos a comer, el horror de las grandes y letales industrias alimentarias. Es posible que haya personas que se vuelvan vegetarianas después de ver esta película, seguramente la mayoría no, pero si al menos consigue remover conciencias habrá servido para algo, además de entretenerte un buen rato y haberte dejado planchado después de una buena llorera, claro (o al menos a mi, ¿vale? :P). 

Llegan las primeras impresiones manga

¡Muy buenas aconitillos!

¡He comenzado a grabar primeras impresiones manga!
La verdad es que hasta día de hoy sólo había realizado reseñas de obras completas pero reflexionando un poco me di cuenta que que bastantes vídeos (o artículos escritos) que veo (leo) son de primeras impresiones. Son muy útiles para hacerte una primera idea general de una obra en la que estás interesado. Es una lata tener que esperar meses o años (dependiendo del número de tomos y periodicidad de la serie en cuestión) para leer reseñas completas.
Así que me he subido al carro y he grabado algunas "primeras impresiones" de varias novedades que espero que os resulten de alguna utilidad. :)

-Handsome Girl de Wataru Yoshizumi, publicada por Planeta.
-Platinum End, de Ohba y Obata, de Norma Editorial.
-Matsuri Special y Tiger and Wolf de Yoko Kamio, Planeta.



¡Qué viva el manga!

Hermione en la Noche de los libros 2017

Hola, hola, brujas, magos y muggles despistadillos o curiosos.

Siguiendo con el tema del 20 aniversario de la saga de Harry Potter os dejo con unos vídeos realizados durante la Noche de los libros de Madrid que tuvo lugar el 21 de abril de 2017.

El primer vídeo corresponde al canal de Proyecto Patronus y es un vídeo resumen de las actividades pottéricas en las que colaboramos con la Comunidad de Madrid para esa noche.
Primero pusimos el documental "Proyecto Patronus: la magia de una generación" en la Real Casa de Correos (¡Gracias a todos los que vinisteis, fue increíble descubrir la cola que se había montado, incluso una hora antes).
Después nos desplazamos a la Plaza de Pontejos, al ladito, donde se hizo una lectura de fragmentos escogidos de la saga. Los encargados de poner voz a las palabras de J.K. Rowling fueron: Laura Pastor (actriz de doblaje de Hermione de 5-8) Iria G. Parente (co-escritora junto a Selene M. Pascual de obras como "Sueños de piedra" o "Rojo y oro), Sebas G. Mouret (booktuber) Porexpan (youtuber) y Danny P (cosplayer).
Y después pudimos presenciar un genial espectáculo de magia de manos del Mago Mor, ilusionismo y mucho, mucho humor.


Este segundo vídeo es el que corresponde al blog/canal de Acónito y luparia y lo grabé durante el evento en Pontejos, en él podemos escuchar a Laura Pastor leyendo la "Fábula de los tres hermanos". Desde luego fue todo un privilegio escucharla. Increíble.


Fue un verdadero placer el haber podido colaborar con la Comunidad de Madrid para que Harry Potter tuviera presencia en una noche repleta de amor a la literatura. 
Always  :)

8 libros curiosos sobre Harry Potter

LUMOS!

Poco a poco voy subiendo al blog los últimos vídeos del canal, perdonadme que no lo haya hecho antes pero debido a temas personales no he podido.
Aprovechando la euforia de los 20 años de la publicación de "Harry Potter y la piedra filosofal" os comparto este vídeo que realicé sobre 8 libros curiosos que tengo sobre la saga, obviamente (con voz de Snape) no incluyo ninguna de las novelas.


Espero que os haya gustado, nos vemos en los comentarios de Youtube (o del blog, si quieres). :)

NOX!

[Reseña] El cuento de la criada | Mujeres como recipientes humanos

Título: El cuento de la criada
Autora: Margaret Atwood
Editorial: Salamandra
Número de páginas: 416
Año edición: 2017
ISBN: 978-84-9838-801-5

Este libro se publicó en el año 1985 pero gracias a la nueva serie (que se emite por HBO en España) ha vuelto a los titulares y a las bocas de muchos aficionados a las series. 

No conocía esta obra hasta que comencé a leer buenas impresiones de la serie en Twitter. Llamó rápidamente mi atención y decidí leerme la novela antes de pasar a ver la adaptación televisiva. 

En medio de una guerra nuclear en Estados Unidos y con la excusas de la amenaza del terrorismo islámico, un grupo de fascistas dan un golpe de estado convirtiendo así al país en una dictadura teocrática donde las mujeres retroceden unos cuantos pasos en la escala de la igualdad, ahora están oprimidas hasta el extremo y ostentan tres únicos papeleles: esposas, amas de casa y criadas.

La protagonista, Defred, (del inglés Offred: que pertenece a Fred) corresponde al grupo de las criadas. Estas mujeres vestidas de rojo con cofias blancas no son más que recipientes humanos, las encargadas de dar a luz a los futuros hijos de la nación. Una nación que ha sido maldecida con la esterilidad de las mujeres (y seguramente de los hombres, pero decir eso está totalmente prohibido).

Margaret Atwood nos cuenta en primera persona la experiencia de Defred en la casa de un comandante de alto nivel junto a su esposa, las marthas (amas de casa) y el chófer. 

Atwood narra con verdadera poesía y pasión, además de con ironía y cierto grado de humor. Aunque he de reconocer que en algunos momentos la narración me resultaba confusa con tantos flashbacks, tan repentinos, (desconozco si esto se debe a la traducción o por mi propia mente despistada), aunque esto sólo fue al comienzo del libro, hasta que me acomodé al relato y llegué a reconocer perfectamente a los personajes.
Defred sobrevive a la rutina, a los desprecios y la anulación de su personalidad a base de recuerdos y esperanza, la esperanza de que algún día todo vuelva a ser como antes. 

He leído en alguna ocasión que esta obra es la contraparte de 1984 de George Orwell, historia protagonizada por un hombre, y en cierto modo es verdad. Ambas nos transmiten la opresión de una nación que ha regresado al pasado, a un pasado vil, manipulador y violento, sin embargo El cuento de la criada es más intimista y menos bélica pero igual de brutal. 

Me ha encantado, es la pura verdad. Ya he empezado la serie y estoy realmente fascinada. 

¡Nos leemos pronto!

20 años de magia

Hoy, 26 de junio de 2017, es el 20 aniversario de la publicación de "Harry Potter y la piedra filosofal" en inglés. 20 años de magia. 

Conocí al joven mago allá por el año 2000, yo tenía 12 años. Me animé a leerlo después de ver en las noticias el boom que se había formado en torno a la salida del nuevo libro (por fechas imagino que sería "El cáliz de fuego" en inglés). A mi hermana le habían regalado "Harry Potter y la cámara secreta" y yo empecé a leer ese, claro. No tuve que leer mucho para darme cuenta de que no era el primer volumen e insté rápidamente a mi padre a que me comprara el libro que correspondía: "Harry Potter y la piedra filosofal". Que conste que aquella edición de "La cámara secreta" era la publicada por Emecé, es decir, la editorial que publicó Harry Potter en España antes de fusionarse con Salamandra, y en aquel libro no ponía el clásico número en el lomo. Sólo había un hueco silencioso. 

Recuerdo perfectamente comenzar la lectura del volumen 1 un día caluroso de agosto, en un banco del Casino de la Unión, una especie de club deportivo de Segovia donde había piscinas, canchas de tenis, campos de fútbol  etc. 

Era verano, como al comienzo del libro, Harry tenía 11 años y yo 12, pero cuando comencé el segundo volumen "La cámara secreta" sí que coincidí en edad con Harry, y creo que con el tercero, "El prisionero de Azkaban" también. Y quizás con el cuarto. El caso es que he crecido con Harry Potter. He crecido con las esperas de los libros, con las teorías encima de la lengua, con las primeras incursiones en la Red buscando información, con HarryLatino, deseando ansiosa que salieran las películas... Puedo rememorar la emoción al descubrir que próximamente iba a salir una película del libro que tanto me había gustado. Estaba paseando por el centro de Segovia y vi el poster en la pared del cine Miró (ahora cerrado) y flipé, flipé en colores. Si mi memoria no falla (que es posible que lo haga) se trataba del póster en el que salía una lechuza llevando la carta de Hogwarts. 

La nostalgia me puede.

Tantas alegrías, esperanzas, viajes, quedadas, amigos, colegas y desconocidos... tantas horas de lectura, de relectura, de re-relectura, tanto trabajo y esfuerzo con Proyecto Patronus. Tanta vida. 20 años (aunque siendo honestos, en mi caso son 17 años).  Me cuesta definir lo que siento por esta saga, que me ha dado tantísimo y al mismo tiempo las palabras, las sensaciones, los recuerdos viajan solos a través de mis ojos verdosos, como los de Harry. Porque los ojos de Harry son verdes, no azules. 

El mundo mágico es parte de mi vida y mi vida es parte del mundo mágico. Eso es irrevocable, intransferible, inquebrantable. "Until the very end", "always", son expresiones con gran fuerza y significado. Si las digo o las escribo lo hago en serio, con gran conocimiento de causa y de carga emocional. El postureo aquí no existe, es imposible que exista. Mi sentimiento es de verdad. La magia es real. 

Escribo estas palabras y los ojos se me empañan, La añoranza de la experiencia, la evocación de lo vivido; las personas, las que fueron, las que son, las que siguen y las que vendrán me mueven por dentro. 

Gracias Jo, una vez más, Siempre.

¿Qué significa Harry Potter para vosotros?